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Colectivo Bomba comienza su carrera en Mayo de 2013, donde sus integrantes se conocen en una Jam Session local en la ya desaparecida Sala Carpe The End. Este grupo fundado en Monforte de Lemos (Lugo) y en la actualidad afincado en Arxevide (Sarria, Lugo) realiza 26 conciertos en festivales y salas de toda Galicia en su año de debut, con una gran acogida de público y crítica. Su estilo es el “mestizaje” donde cobra importancia el Ska, el Reggae, el Rock, la Cumbia y más estilos mezclados con letras que tratan sobre el desahogo humano y protesta social.
Sus directos son contundentes y potentes, donde ponen a bailar y saltar al público convirtiendo este cóctel en una fiesta donde todos son capaces de olvidar su día a día, y durante las 2 horas de concierto disfrutan conjuntamente de la música y su característico “bombo a negras”.
En este primer año han compartido escenario con grupos como “Ultracans”, “Itaca Band”, “Natural Green” entre otros.
A finales de 2013 y principios de 2014 entran en los “Estudios Clandestinos” de Pontevedra a registrar su primer trabajo discográfico llamado “YEAH” que se presenta el 1 de Febrero de 2014 en formato digital y físico. Este primer disco ha sido grabado bajo la batuta de “Txapu” y “Toñyto All Time” y mezclado por el gran Alberto Cordero en “Pulse Records” en Puenteareas(Pontevedra). sus 10 cortes contienen la esencia del directo “punky-mestizo” seña de identidad de Colectivo Bomba.
Para esta temporada 2014 realizarán una extensa gira de presentación de “YEAH” que les llevará a medios de comunicación, salas de toda Galicia y España, así como diversos festivales.
PUEDEN SEGUIRLOS DESDE SU PAGINA: http://www.colectivobomba.com/
Reseña personal del disco
Frontal de portada de su disco "Yeah!"
"Yeah!" a buenas y a primeras es un excelente trabajo que mezcla sutiles sonidos de la region con punk aunque tambien con sonoridades que rememoran el ska de "The Specials", una apuesta sin dudas singular, y que permite dar cuenta de la calidad del "Colectivo Bomba", cada tema que hace al disco se conforma bajo una energia que es incontenible y que lo hace disfrutable de punta a punta. En mi opinion final, un gran disco, una excelente banda, con grandes musicos y que ojala, en el futuro, sigan deleitandonos con esta fantastica musica
Spirit fue una banda de rock estadounidense, formada en 1967 en Los Ángeles, California. Tras una larga y azarosa historia, el grupo dejó de existir como tal debido a la muerte de su líder Randy California en 1997.
La alineación original provenía de una banda angelina, The Red Roosters, los cuales incluían a Randy California (guitarra, vocales), Mark Andes (bajo) y Jay Ferguson (percusión, vocales), uniéndoseles entonces el padrastro de Randy California, Ed Cassidy (batería) y el tecladista John Locke. Cassidy (nacido en 1923) era ya un cuarentón al formarse la banda, unos 20 años mayor que la edad promedio del resto del grupo, siendo inmediatamente reconocible por su cabeza rapada y su gusto por vestir de negro.
Al principio su música se volcaba fuertemente hacia el jazz, y se llamaban Spirits Rebellious (nombre tomado de un libro de Gibran Jalil Gibran), pero poco tiempo después el nombre fue acortado simplemente a Spirit. Randy California también había tocado con Jimi Hendrix (en ese entonces conocido como Jimmy James) en Jimmy James and the Blue Flames, en 1966.
En 1968 aparece el LP debut homónimo, el cual alcanzó el puesto Nº 31 en el Billboard 200, y se mantuvo por más de ocho meses en los charts; el disco mostraba resabios del jazz iniciático y elaborados arreglos de cuerdas, siendo su álbum más abiertamente psicodélico. Del mismo modo el grupo es convocado por el director francés Jacques Demy para realizar la banda de sonido de su película Model Shop, estrenada en 1969, sin embargo la banda sonora no se publicaría oficialmente hasta el año 2005.
Hacia fines del mismo 1968 es lanzado el segundo álbum: The Family That Plays Together, embarcándose Spirit en una gira con unos -por entonces- flamantes Led Zeppelin de grupo soporte, por aquellos tiempos Led Zeppelin versionaban el tema "Fresh Garbage" de Spirit, incluido en uno de sus extensos "medley" en directo.
En 1969 es editado el tercer disco, Clear, una vez más por Ode Records, aunque este sería el último trabajo de Spirit con esa compañía, el disco alcanzó el puesto Nº 55 en los charts americanos de álbumes.
Hacia 1970 son fichados por el sello multinacional Epic Records, y empiezan a trabajar en lo que es ampliamente considerado como su mejor álbum: Twelve Dreams of Dr. Sardonicus (Doce sueños del Dr. Sardonicus), lanzado a fines de ese mismo año. Este LP, de corte conceptual, está incluido entre obras importantes del art rock de aquellos tiempos, como The Dark Side of the Moon, la ópera rock Tommy, o The Lamb Lies Down on Broadway, por citar algunos casos análogos, abarcando sus doce canciones temáticas acerca de la fragilidad de la existencia y la complejidad de la experiencia vital humana. Este disco es asimismo remarcable por sus innovaciones sonoras, por ejemplo el uso del sintetizador Moog modular. Twelve Dreams of Dr. Sardonicus fue el único disco de Spirit certificado oro, status que alcanzó -sin embargo- recién en 1976.
Andes y Ferguson abandonaron el grupo tras la gira promocional, para formar el conjunto hard rock Jo Jo Gunne, y Randy California quedó momentáneamente inactivo tras un accidente montando a caballo, decidiendo luego abocarse a su carrera en solitario, por lo que Cassidy y Locke convocaron a los hermanos Al y Christian Staehely para cubrir tales defecciones, y grabar un quinto LP: Feedback, que fue editado en 1972. Tras Feedback -álbum volcado a un rock duro convencional, con letras poco profundas- el grupo se disolvería por primera vez: éste sería el único disco de Spirit sin Randy California, quien por 1972 lanzaba su primer LP en solitario: Kapt. Kopter and the (Fabulous) Twirly Birds, el cual contó con la colaboración del ex-bajista de The Jimi Hendrix Experience: Noel Redding.
Hacia 1974 Ed Cassidy llamó a Randy California (quien se había radicado en Hawaii), para tratar de recomponer la banda, California retornó a América y empezaron a trabajar en nuevo material de estudio. La cantidad ingente de material grabado se cristalizó en la edición de un álbum doble, lanzado en mayo de 1975: Spirit of '76, aunque ya no por Epic, compañía con la cual habían agotado su contrato, sino por Mercury Records. A fines de ese mismo año (1975) lanzan otro LP de estudio: Son of Spirit, consistente en temas tomados de las mismas sesiones de Spirit of '76, que habían quedado afuera de la edición de dicho álbum. Cabe agregar que los músicos que acompañaron a California y Cassidy para estas grabaciones fueron el bajista Barry Keane, y un tal Benji, en clavecín y sintetizadores.
Tras esto Mark Andes y John Locke retornan al grupo, para grabar el álbum Farther Along, el cual ve la luz a mediados de 1976, el álbum incluye al hermano de Andes, Matt, en guitarra y coros, y una versión orquestada de uno de sus más significativos temas: "Nature's Way" (original de Twelve Dreams of Dr. Sardonicus). No obstante Mark Andes y John Locke se alejarían de Spirit una vez más, tras un confuso incidente durante un concierto en el "Santa Monica Civic Auditorium", en Los Ángeles, incidente del cual fue también parte el músico Neil Young, amigo de la banda. Para el siguiente disco, Future Games (1977), Cassidy y California reclutan al vocalista Terry Anderson y al teclista Joe Kotleba, como sustitutos, y comienzan un nuevo tour, grabando consecuentemente un disco en directo (Live Spirit) publicado en 1977, aunque Randy California se volvería a marchar en 1979, señalando la segunda separación de la banda.
En 1981, mientras desarrollaba su carrera como solista, Randy California lanza The Adventures of Kaptain Kopter & Commander Cassidy in Potato Land, LP consistente en viejas cintas grabadas en 1973, con Ed Cassidy y John Locke, convenientemente adecentadas en estudio; curiosamente este disco de archivo fue el único álbum de Spirit en obtener cierta repercusión en Gran Bretaña, debido a su difusión por parte de la señal BBC.
En 1982 California edita un segundo LP en solitario: Euro-American, mientras que en diciembre de ese mismo año la formación original vuelve a reunirse, para trabajar en un álbum que finalmente vería la luz en 1984, titulado The Thirteenth Dream (El decimotercer sueño), jugando con el título de su disco más famoso. Este álbum, publicado como Spirit of '84 en EE.UU, consistía en material híbrido, regrabaciones de viejas canciones, más algunas nuevas, fue grabado de manera digital, algo aún novedoso para 1982, y fue el primer disco de Spirit editado en CD, en Alemania en 1984 por Mercury Records.
Tras este LP, Randy California alternó su tiempo entre su carrera solista y Spirit, en solitario lanzó dos nuevos trabajos, Restless y Shattered, de 1985 y 1986 respectivamente, mientras que con Spirit, siempre junto a Ed Cassidy, se dedicó a tocar en vivo. En 1988 California consigue un contrato con I.R.S. Records, John Locke vuelve al grupo, y graban Rapture in the Chambers, aunque el disco pasa desapercibido, mientras que en 1990, ya sin Locke, y con el bajista-vocalista Mike Nile, lanzan Tent of Miracles de manera independiente.
Ed Cassidy y Randy California -de hecho los pilares de Spirit y únicos miembros permanentes- continuaron girando y tocando a lo largo de los años 90. Finalmente, en 1996 aparece el que sería el último álbum de la banda: California Blues, con un ya septuagenario Ed Cassidy en batería y coros, Randy California en guitarra y voz, Matt Andes en guitarra, Steve Loria en bajo, y Rachel Andes en voz, primera y única integrante femenina de la banda. El álbum contó con invitados destacados como el ex-guitarrista de The Doors Robby Krieger, o el músico galés Spencer Davis, amén de un John Locke que participó como invitado por sus ex-compañeros.
El 2 de enero de 1997 Randy California murió ahogado en Hawaii, mientras surfeaba con su hijo, al tratar de rescatarlo de una corriente de resaca en la que quedó atrapado. El hecho marcó el fin de la banda tácitamente, aunque Ed Cassidy tocó eventualmente con una formación llamada Spirit Revisited tras la muerte de California, Cassidy falleció el 6 de diciembre de 2012, a los 89 años, mientras que John Locke murió en 2006.
Hoy cumpliría 105 años Hector Roberto Chavero, más conocido como Atahualpa Yupanqui, uno de los grandes del folklore argentino
PELICULA: ZAFRA
El Doctor Atahualpa Yupanqui , bueno en realidad es el papel que hizo en la Película Zafra donde encarna a un Doctor que tiene la lengua muy filosa y no desaprovecha oportunidad de decir verdades
DIRECTOR Lucas Demare
GUIÓN Sixto Pondal Ríos
MÚSICA Lucio Demare, Atahualpa Yupanqui
FOTOGRAFÍA Antonio Merayo
REPARTO Alfredo Alcón, Graciela Borges, Enrique Fava, Atahualpa Yupanqui, Luis Medina Castro, Pedro Laxalt, José De Angelis, Félix Rivero, Iris Portillo, Romualdo Quiroga, Rossana Zucker, Ariel Absalón, Marta Roldán, Rafael Salvatore, Domingo Garibotto
PRODUCCIÓN Lucas Demare y Sixto Pondal Ríos
FOTOGRAFÍA Antonio Merayo
MONTAJE Jorge Garate
MÚSICA Lucio Demare y Atahualpa Yupanqui
ESCENOGRAFÍA Gori Muñoz
PRODUCTORA Argentina Sono Film S.A.C.I.
GÉNERO Drama
SINOPSIS Los collas, habitantes de la frontera argentino-boliviana, son esclavizados y llevados a los cañaverales de las provincias norteñas a trabajar en la recolección de la caña de azúcar. La historia se centra en los personajes de Damiano y Teodora, dos indígenas enamorados, cuyas vidas están marcadas por la actitud malvada y lasciva de un siniestro individuo apodado "El Negrero". El castigo al que éste somete a Teodoro provoca una rebelión de los trabajadores que será brutalmente reprimida. (FILMAFFINITY)
Estrenada el 9 de abril de 1959, con dirección de Lucas Demare y guión de Sixto Pondal Ríos, la película se basaba en el enfrentamiento de un ingeniero y un obrero por una mujer, en el marco de la explotación de la zafra.
Con sólo 15 años actuaba Graciela Borges, que había debutado un año antes en cine con Hugo del Carril, en Una cita con la vida, y quien desde aquella filmación mantuvo "una relación entrañable con Yupanqui".
"La tuve hasta el final. Tengo cartas maravillosas guardadas que él me escribía desde Francia, o desde donde estuviera. La última la recibí 15 o 20 días antes de su muerte. Era muy gracioso: en las cartas el ponía al frente "a Graciela Borges", atrás decía "vete carta, búscala". Las tengo guardadas como oro. Don Ata me decía princesita, lo que me honraba mucho porque yo lo admiraba enormemente".
Por otra parte recordó aquellos tiempos del rodaje: "En esa película estuve tuberculosa. Me enfermé mucho durante el rodaje, porque comíamos mal y hacía mucho calor, y se me había ido el apetito. Comíamos donde podíamos, en los lugares más increíbles que te puedas imaginar, porque estábamos todo el tiempo tratando de aprender a trabajar la caña, la zafra, con 45 ó 50 grados de calor. Un día me caí en sus brazos cruzando la cremallera, cuando me enfermé. Mi madre estaba, pero el que más me cuidaba siempre fue Atahualpa".
Por otra parte, la protagonista recuerda muchas guitarreadas durante el rodaje, algo que ella disfrutó hasta el final. "Una de las más lindas cosas que me pasaron, antes de que se muriera don Ata, fue cuando le dije una vez que se iba, como siempre se ha ido, a París. Le pregunté "cuándo vas a volver, que yo te extraño", y me dijo "pronto, si, sino ¿quien me la va a cuidar a usted?".
Para Graciela Borges, Atahualpa era "una persona súper sensible, de un humor extraordinario. Una vez estuvimos en una comida maravillosa junto a la Negra Mercedes Sosa y él. Don Ata tocó la guitarra y la Negra cantó. Después, al terminar, contó unos cuentos tan graciosos, que todos nos podíamos más de la risa".
Hoy es momento de presentarles a este gran artista que recientemente cumplió 10 años en la música: Dudu Nicácio. Compositor mineiro, y abogado militante por los derechos humanos. Solamente puedo decirles que con una voz mas que particular y atrayente, lanzo su tercer disco este año, "Pra cidade cantar", un bellisimo trabajo completo de buenas canciones que a ritmo de samba y bossa, hacen a la musica y a su voz una experiencia única que no deben perderse. A continuación les dejo información de Dudu y de su ultimo disco.... (en portugues) Pueden visitar su página web: http://www.dudunicacio.com.br/ Pueden escuchar su ultimo disco desde aqui: http://www.dudunicacio.com.br/album/cd_dudu_nicacio_-_pra_cidade_cantar Pueden descargar el disco, gratuitamente, http://www.dudunicacio.com.br/discografia
Para comemorar 10 anos de carreira, o compositor mineiro, agitador cultural e advogado militante dos direitos humanos Dudu Nicácio lançou em setembro de 2012 o seu primeiro CD solo denominado "Pra cidade cantar".
O álbum, composto de músicas autorais inéditas, conta com a participação especial de vários nomes da música mineira, como: Vander Lee, Flávio Renegado, Thiago Delegado e Warley Henrique. Com produção do carioca Rodrigo Braga e direção artística da dupla Dois do Samba, o CD foi gravado e mixado, em Belo Horizonte, no Estúdio Pato Multimídia por Leo Moraes, entre novembro de 2011 e maio de 2012, e masterizado por Ricardo Garcia no Magic Master.
Assim como os dois primeiros CDs de Dudu Nicácio ("Leopoldina e Dudu Nicácio", em 2005, e "Dois do Samba", em 2008), o CD “Pra cidade cantar” também foi produzido de maneira independente e com recursos próprios, sem gravadoras, leis de incentivo ou mecenas.
A partir de setembro de 2012, Dudu Nicácio cai na estrada para iniciar uma campanha de lançamento do CD por todo o Brasil. A idéia é viajar por todos os estados brasileiros com um formato trio. O show “Pra cidade cantar”, seguindo a mesma linha estética do disco, parte do samba para dialogar com vários gêneros musicais como o ijexá, o baião, a bossa-nova, o pop e o hip-hop, gerando como resultado uma música popular brasileira alegre e comunicativa - às vezes dançante, noutras introspectiva, mas sempre para frente. Ou seja, música de qualidade feita com generosidade e com o intuito certeiro de comunicar sentimentos, experiências e desejos.
Breve histórico: Nesses rápidos 10 anos de carreira, Dudu Nicácio, para além dos dois discos lançados, se tornou um dos maiores agitadores culturais de Minas Gerais, sendo o responsável pela idealização e realização de projetos, como: Do Morro ao Asfalto (circuito de samba nas favelas de BH); Choro Livre (festival de chorinho nos mercados de MG); Nova Música Instrumental Mineira (mostra realizada nos parques de MG); Bloco da Cidade (um dos marcos da retomada do carnaval de rua de Belo Horizonte e da revitalização da quadra do GRES Cidade Jardim); Samba da Madrugada (há 5 anos o projeto criado por Dudu Nicácio, Miguel dos Anjos, Mestre Jonas e Mário Moura tem unido boemia e cultura às madrugadas da capital mineira); Samba doCompositor (um dos principais projetos responsáveis pela efervescência da cena de samba na capital mineira).
Já participou de eventos, como: Favela Chic – Paris, Onda Jazz e Chapitô– Lisboa, Seidvilla – Munique (2009); Conexão Vivo (2008 a 2011); Conexão Telemig Celular (2005 a 2007); Aniversário da Rádio Inconfidência (2005 e 2008); Ano Brasil na França – mostra paralela (2006); 6º FIT no Espetáculo Pó da Terra, como compositor e ator (2006);
Realiza shows nos mais variados espaços culturais do país na companhia de inúmeros artistas, dentre outros: Dona Ivone Lara, Riachão, Monarco, Rolando Boldrin, Hermínio Bello de Carvalho, Nei Lopes, Noca da Portela, Almir Guineto, Moacyr Luz, Chico César, Titane, Vander Lee, Fabiana Cozza e Teresa Cristina de 2001 até a presente data;
É diretor da agência cultural Ultrapássaro e exerce, ainda, a coordenação técnica do Programa Polos de Cidadania da UFMG.
CD Dudu Nicácio - Pra cidade cantar (2012) Acertar a mão é aquela coisa de cozinheiro bom (ou sortudo), das doceiras do interior de Minas, da receita volátil que já vira sorriso quando chega à boca. Como a música não é quitute e o ditado lembra que “há gosto pra tudo”, acertar a mão em um álbum de composições próprias, especialmente o primeiro, não depende apenas do dom, é tarefa de muita paciência ou paixão pelo esquema. Há aqueles que cozinhem mais tempo a composição das canções e há os outros que se dediquem mais aos arranjos. O compositor mineiro Dudu Nicácio é o tipo de artista guloso que deseja as duas coisas. Em seu primeiro disco-solo “Pra cidade cantar”, ele apresenta doze faixas feitas para pegar, com aquela saudável ousadia das canções que se eternizam no cancioneiro popular, mas inegavelmente buriladas com o bom gosto do samba fino, pianos, metais harmonias, grooves, percussões e frases de abrir os ouvidos. A gula em fazer a cidade cantar e, ao mesmo tempo, fazer bonito logo no primeiro trabalho se justifica pela importância absolutamente central de Dudu para a cena do samba e da nova música de Belo Horizonte nos últimos dez anos. Apesar de estreante na carreira solo, já gravou com a cantora Leopoldina (2005), com seu projeto Dois Do Samba (2008), realizou a “Coletânea Choro Livre – Vol 1” (2011) compôs para muita gente boa, é agitador da cena local, foi uma das cabeças da mostra Reciclo Geral, é responsável por iniciativas como o Samba do Compositor, o Samba da Madrugada e o festival Do Morro Ao Asfalto. Após reconhecimento da cena e crítica local, uma série de shows pelo Brasil e duas turnês européias, resolveu juntar o caldo em um primeiro trabalho à altura. Como parceiros nas canções e dividindo algumas vozes, chegaram os amigos Vander Lee, o rapper Renegado, Rodrigo Braga (que também assina a produção musical), o carnavalesco Graveto e Fabinho do Terreiro. Para o time de músicos a dar cabo das gravações, vieram, entre outros, Thiago Delegado, Warley Henrique, Batatinha, Fabio Martins e Mauro Continentino. Na geladeira havia centenas de composições, prontas para ir ao forno. Contudo, como bom mineiro e matuto, Dudu não fez nada sem experimentar antes. Mandou uma versão prévia de 20 delas para um grupo de amigos, jornalistas próximos, familiares, músicos conhecidos e montou aquilo que ele chamou de “curadoria afetiva musical”. A partir da avaliação desse júri particular, cortou um bocado, compôs algumas outras e resgatou da prateleira de cima outras duas que se alinhavam ao conceito que estava nascendo, seguindo a vibe dos corações e ouvidos mais confiáveis e a própria intuição. O resultado é um disco imediatamente agradável, que começa “De Bobeira” no nome e clima da primeira faixa, um samba cool jazz malandro, que convida os ouvintes a uma vida mais slow. “Na Ponta do Pé” segue a linha classuda, mas já tempera o álbum com percussão e referências da Bahia – e não foi lá que o samba nasceu? “Do Morro Ao Asfalto” remete às metrópoles, especificamente Belo Horizonte, com o rap de Renegado visitando o samba, revelando os contrastes e possibilidades do Brasil mega-urbano, seus centros e periferias. O disco reserva um pedaço generoso de calma e introspecção em faixas como “Surpresa Boa” e “Choro de Solidão”, esta última em parceria com Mestre Jonas, figura marcante da música na capital que deixou uma ponta de tristeza com sua morte prematura no fim de 2011. Grande amigo de Jonas, Dudu chegou a interromper a produção do disco e questionar se iria realmente lançá-lo após o episódio. A canção ficou como um mesclado de tristeza e lembrança boa do Mestre. O samba esquenta em “Jogo de Final”, com Vander Lee, que faz dobradinha com Dudu nos vocais, “Dono de Casa”, que tem a dupla Dois do Samba brincando em alto estilo e na faixa-título “Pra Cidade Cantar”, uma música em parceria com Fabinho do Terreiro, que acompanha o momento atual de ocupação cultural de Belo Horizonte pela população em iniciativas como o Carnaval de Rua local, totalmente promovido pela população e no qual Dudu comanda, há dois anos, o Bloco da Cidade. “Militante do Samba”, outro standard do disco, não deixa de soar autobiográfica para as agitações do artista nesse contexto. “Felicidade Certa”, com metais e batida de samba funk, “Espera Santa” que chega ao baião sem maiores pudores e “Ilumina”, que fecha o álbum trazendo novamente com os batuques e badulaques da Bahia, completam e colorem o confeito de “Pra Cidade Cantar”. Pra não dizer que faltou cereja no bolo, um remix cheio de veneno da faixa “De bobeira” produzido com o dueto castelhando do cubanito Rubem Santilhanda e disponibilizado no site do artista para download. Ouvir o disco de lançamento de Dudu Nicácio é uma experiência recomendada tanto aos momentos mais intimistas em casa ou ao happy hour mais animado com os amigos. É grande a chance de que os vizinhos não se incomodem. O segredo para forjar uma produção redonda como esta foi a espera e maturidade de um artista menos preocupado com a vaidade e mais com o poder de mobilização – das idéias ou quadris – pela via do samba. “Pra Cidade Cantar” reforça a verve talentosa da música mineira em voltar-se para o equilíbrio entre liberdade e esmero, sentir e pensar, contaminar-se lucidamente por aquilo que cada canção pede, penetrando silenciosamente em seu universo como propõe Drummond em seu poema-aula de poema. Dudu Nicácio consegue sintonizar a malandragem com a finesse, o suíngue com a tranquilidade, dobradinhas que já geraram algumas das obras musicais brasileiras mais elogiadas no decorrer dos tempos. Acertou a mão? Experimente, conte ou cante por aí... Por Artênius Daniel
Fulton Allen, conocido en el mundo del blues como Blind Boy Fuller, fue un guitarrista y cantante, nacido en Wadesboro, Carolina del Norte, el 10 de julio de 1907. Falleció en Durham, en el mismo Estado, el 13 de diciembre de 1941.
Ciego y desfigurado como consecuencia de las quemaduras accidentales de ácido, producidas por su madrastra cuando era niño, según unas versiones,1 o por su pareja cuando ya tenía veinte años, según otras,2 Fulton Allen se ganaba la vida como músico callejero, influido por Josh White. Guitarrista brillante, con gran manejo de la técnica fingerpicking y un cierto toque de ragtime, logró crear una verdadera escuela: Sonny Terry, Brownie McGhee, Blind Gary Davis, Willie Trice y otros muchos, tocaron con él y se vieron influidos por su estilo.
A partir de 1935 comienza a realizar grabaciones, muchas de ellas de gran éxito. Fue muy activo socialmente, como portavoz de las reivindicaciones agrícolas y de los obreros del tabaco. Murió como consecuencia de una operación por problemas hepáticos. Su estilo se considera paradigma del Estilo Piedmont o de los Apalaches, e influyó a músicos que provenían del hillbilly, como Chet Atkins o Doc Watson.
Bibliografía
Herzhaft, Gérard: La gran enciclopedia del blues, Edic. RobinBook, Barcelona, 2003, ISBN 84-95601-82-6
Oliver, Paul: Historia del Blues , Alfaguara-Nostromo, Madrid, 1976, ISBN 84-384-0019-1
Harrison, Max, Oliver, Paul & Bolcom, William: Gospel, blues & jazz, Muchnik Editores, , Barcelona, 1986, pag.119, ISBN 84-7669-140-8
Hoy, día 24 de junio, se cumple el setenta y siete aniversario de la muerte física de Carlos Gardel. Pues, este mismo día pero del año 1935 se produjo en el aeropuerto de Medellín el fatídico accidente de aviación que hizo desaparecer a la figura de Gardel, el artista inigualable que con una lágrima en la garganta supo decir como nadie, al compás de músicas dulzonas y al son del rasguear de guitarras brujas, todo el contenido de unas estrofas que nos hablan de noches de luna clara y suaves alboradas en la Pampa, de resoplidos de bueyes y olor a tierra mojada, o de rinconcitos arrabaleros y madreselvas en flor, de tiernos idilios y de otros motivos sentimentales como contenía el extenso repertorio de su cancionero criollo.
Aunque Carlos Gardel no naciera en Argentina, sino en Toulouse (Francia), sería injusto decir que no era argentino, ya que con cuatro años de edad llegó a Buenos Aires en 1891 acompañado de su madre, y fue en Argentina donde más tiempo permaneció, paseando su folclore por el mundo entero y exhibiéndose ante los públicos de todos los países que frecuentaba como cantor de lo porteño. Sus comienzos fueron difíciles, pero llevaba en potencia el germen de un arte que después habría de ser revolución en el mundo gauchesco del Plata. Arte que no tardó en desarrollarse, hasta convertirlo en el máximo intérprete del tango y al que supo dar categoría de canción con resonancia internacional llevándolo hasta el mismo pueblo.
Viajó mucho por Europa. Vino a España y sus canciones fueron reiteradamente aplaudidas en los mejores escenarios de Madrid y Barcelona.
Con su célebre vals “En un pueblito de España”, el nombre de nuestro país llegó a los más apartados lugares del planeta. Ante su ascendente carrera, las empresas cinematográficas lo acaparan para la filmación de una serie de películas que recorrerían con éxito arrollador los territorios de lengua española; dándose el curioso caso de que, a instancias de un público volcado en delirante entusiasmo, la máquina proyectora tuvo que dar marcha atrás para que se oyeran de nuevo aquellas canciones que por su fuerza emotiva habían cautivado al espectador.
Carlos Gardel, millonario, en el cénit de la fama, apenas si pudo dar cumplimiento al gran número de contratos que las empresas teatrales y de cine le ofrecieron. Su última exhibición ante el público tuvo lugar la noche del 23 de junio de 1935, en Bogotá.
El 24 de junio, volando de Bogotá hacia Cali donde debía actuar, en Medellín, aeropuerto de escala, sobre el avión en el que viajaba y que estaba parado en la pista con los motores encendidos a la espera de la orden de despegue, se abatió otro avión que en una falsa maniobra intentaba también despegar, incendiándose súbitamente los dos…
De esta lastimosa manera calló para siempre el trino melodioso del zorzal criollo. Pues sus alas de ave cantora, desplegadas a los vientos del éxito y la popularidad, quedaban rotas y abatidas definitivamente sobre el montón informe de despojos a que quedaron reducidas en poco tiempo aquellas dos máquinas de muerte. Pero Carlos Gardel no murió del todo. Que vive Gardel en el recuerdo emocionado del gaucho, en el corazón de la criollita que cada 24 de junio lleva con lágrimas en los ojos flores nuevas a su tumba, y en tantos y tantos amantes del tango.
(Foto:portada disco E.P. 45 r.p.m,de Odeón. 1958)
Este artículo fue escrito por J.J Conde. Mas información acerca del autor en EL LIBREPENSADOR
Interpretación libre de una canción de su autoría, el cantautor habla de la búsqueda personal y a la vez colectiva, que lleve a la luz.
Guitarra y voz: Nicolás Michel
Locación: Vulcanización abandonada Lonquimay, La Araucanía, Chile.
Camarógrafo: Susana Cofré
Diciembre de 2010
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No sé donde llega (La sed de la mañana)
La sed de la mañana viene,
por la noche se acuesta y no duerme,
entonces amanece con pepas abiertas
con hambre de más
El camino de abajo enseña
el tesoro que andamos buscando,
la luz del cielo deja huella, escucho atento a diario
levanto días claros.
Y no sé donde llega,
Un disparo ciego es
Anda, corre, vuela,
Sigue la ruta tal como es
Si hoy día escuchas al viento,
si abres bien tu entendimiento
verás que el día se hace largo, que hay tiempo, vías, elementos,
que están todos al centro
Hablando hoy día con mis paisanos
supe que ya viajamos varios,
buscando fuentes, mares, valles, silencios, gritos, materiales
sabiendo qué esperar.
Y no sé donde llega,
Un disparo ciego es
Anda, corre, vuela,
Sigue la ruta tal como es
Mamadou Diabaté (Kita, Mali - 1975) es un destacado músico tradicional africano especializado en kora.
Mamadou Diabaté (pronunciado mamadú) nació en 1975 en Kita, una ciudad de Mali afamada por ser centro de las artes y la cultura mandinga en África Occidental. El nombre Diabaté indica que Mamadou procede de una familia de jelis, que es como se les conoce en el idioma mandinga a sus músicos tradicionales.2 que además, utilizan la música y a veces la oratoria para conservar y mantener las tradiciones de un pasado que se remonta al Siglo XIII, cuando el rey mandinga, Sunjata Keita consolidó el vasto Imperio de Mali, que abarcada gran parte de África Occidental. Los relatos e historias de aquellos días gloriosos siguen siendo pilares fundamentales para el pueblo de los mandingas, además de para muchos otros ciudadanos de Mali, Guinea, Gambia y Senegal.
Nació dentro de una familia distinguida de griots o jelis es una ventaja social. El padre de Mamadou, Djelimory Diabaté, también tocaba la kora -una especie de arpa de 21 cuerdas propia de los jelis- en el Conjunto Instrumental de Mali. A la edad de cuatro años, Mamadou se fue vivir con su padre, que vivía en Bamako, donde tiene su sede el conjunto. Cuando llegó el momento de regresar a Kita y empezar sus estudios convencionales en la escuela, Mamadou ya tenía claro que la kora iba a ser realmente su destino. Su padre le enseñó a afinar el instrumento y, a partir de ahí, se dedicó a ensayar obsesivamente con la kora hasta el punto que su madre se preocupó porque no se concentraba en escuela. Debido a ello, su madre le quitó su kora. Aún así, Mamadou redujo todavía más su interés en estudiar en la escuela, y rápidamente se puso a fabricar su propia kora para continuar aprendiendo. Poco después, Mamadou dejó la escuela y empezó a tocar la kora con cantantes jeli locales, viajando por toda la región para actuar en ceremonias y ganarse la vida como lo hacen los jelis en la actualidad.
A los quince años, Mamadou ganó el primer premio de kora en una competición regional, adquiriendo popularidad localmente. Al año siguiente se fue a Bamako para continuar su formación con su primo, el afamado intérprete de kora Toumani Diabaté. Trabajó el circuito de los jeli, acompañando a cantantes en bodas y bautismos del barrio y también entretenido a los los inquilinos del lujoso Hotel Amitié de la ciudad. Toumani le dio a su primo el apodo de Djelika Djan, que significa "jeli alto", en referencia a la gran estatura física de Mamadou.
En 1996, se unió al Conjunto Instrumental de Mali gracias al cual le ofrecieron la oportunidad de viajar, junto a otros músicos mandingas, y actuar en EEUU, donde se radicó, viviendo primero en New York City y después en Durham, Carolina del Norte. En USA, Mamadou ha actuado con variados músicos del país, como los músicos de jazz Randy Weston y Donald Byrd, maestros del blues como Eric Bibb y Guy Davis así como con grupos que unen músicos de Mali y de los EEUU.
Aca les dejamos para que escuchen esta banda realmente interesante proveniente de Estados Unidos, Farewell Milwaukee, genero: americana, folk, alternative country. Una escuchada no le hace mal a nadie, y este disco realmente se lo merece
Ry Cooder (Los Ángeles, California, 15 de marzo de 1947) es un guitarrista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide.
Empezó a llamar la atención en los años 1960 con Captain Beefheart and the Magic Band, después de haber trabajado con Taj Mahal en The Rising Sons y de haber tocado con The Seeds.
Cooder ha trabajado como músico de estudio y también ha realizado la banda sonora de muchas películas, de las que tal vez la más conocida sea Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). En los últimos años, Cooder ha tenido un papel importante en la popularidad creciente de la música cubana gracias a su colaboración como productor en el disco Buena Vista Social Club (1997), que fue un éxito mundial. Wim Wenders dirigió en 1999 un documental sobre los músicos involucrados en el proyecto, obteniendo una nominación para los premios Óscar en 2000.
El trabajo en solitario de Cooder ha sido una mezcla ecléctica de folk, tex-mex, soul, gospel, rock y casi cualquier otro estilo. La lista de los músicos importantes con los que ha colaborado incluye a The Rolling Stones, Little Feat, The Chieftains, John Lee Hooker, Gabby Pahinui y Ali Farka Touré. También formó el supergrupo Little Village con Nick Lowe, John Hiatt y Jim Keltner.
Su disco de 1978 Bop Till You Drop fue el primer álbum de música popular grabado digitalmente.
La revista Rolling Stone ha nombrado a Ry Cooder con el puesto nº8 en su Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos. Inmediatamente tras él aparecían en la lista Jimmy Page (de Led Zeppelin) y Keith Richards (de The Rolling Stones). En los años 1960, Cooder enseñó a Keith Richards cómo tocar en la afinación abierta de sol, afinación que Richards ha usado desde entonces, incluyéndola en muchas de los canciones más grandes de los Stones.
Bossa Nova Gems Interpreted by Paul Winter and Oscar Castro-Neves
It is a testament to the universality of Bossa Nova that BRAZILIAN DAYS, the Living Music set from saxophonist Paul Winter and guitarist Oscar Castro-Neves, began life in the loft of Winter's rural Connecticut barn. It was there in the bright New England spring that the two old friends and master musicians poured through a virtual treasure trove of Bossa Nova classics, and began to shape the contours of what would become their premiere duet album. The results are nothing less than a stunning rebirth of one of the most influential popular music styles of the last fifty years.
Considering that Winter and Castro-Neves have been friends for more than thirty years, and have collaborated on many prior projects, it's a bit surprising that the two had never recorded a duet album. "It's been a long-standing dream of ours to do this," notes Winter. "Things really started to percolate when we were in Rio together for the Earth Summit in 1992. We played a series of gigs then, and it was so gratifying, we knew we simply had to make an album together." Castro-Neves later joined Winter at his Connecticut home, where the two surveyed a definitive Bossa Nova collection compiled by famed Brazilian music publisher Almir Chediak, jamming for several days and working up arrangements of more than 150 incomparably beautiful songs.
"It was a lot of fun for me," recalls Castro-Neves of the experience. "It was a way of looking back, of revisiting my past." As one of the true pioneers of the Bossa Nova movement, Oscar speaks the truth. He was there in Rio de Janeiro in the late 50's when geniuses like Antonio Carlos Jobim and Joao Gilberto first blended the impressionistic harmonies of Ravel and Debussy with syncopated rhythms of Brazilian music. Bossa Nova (Portuguese for "new touch") was born then, and it changed the world of music forever.
Winter and Castro-Neves took their time paring down 150 songs to a manageable number. In March of 1997, Paul and Oscar recorded demos of 50 favorites, and from there the final dozen were chosen. In September, the pair were joined in the studio by bassist Nilson Matta and drummer Paulo Braga, two seasoned veterans of the Brazilian music scene both in the USA and in Brazil. "It was a natural match," says Oscar. "Both musically and personally, it was an atmosphere of sharing." Adds Paul, "We wanted to be totally simple and totally gentle in the original Bossa Nova tradition."
Paul then packed up the master tapes and took one of his heralded recording expeditions to the Grand Canyon. He had previously recorded two albums, CANYON and CANYON LULLABY, in the pristine outdoor environment of the Canyon. "I had found a wonderful side canyon there in 1985 with amazing acoustics," says Winter. "We called it Bach's Canyon. Because I love how it feels to play there, I wanted to do my sax parts for BRAZILIAN DAYS there too. We back-packed into the Canyon a pair of DA-88 8-track machines, solar power gear, a mixing board, food and tents for a ten-day stay. It was amazing to be this far from civilization and to put on earphones and hear this exquisite Brazilian music. I closed my eyes and was in heaven."
Most of the songs on BRAZILIAN DAYS would likely be unfamiliar to North American audiences, who may readily recall classics like "Girl From Ipanema" and the theme from "Orpheus," but don't know the bulk of Bossa Nova standards. "We made no concession to commercialism," says Paul. "We didn't do the hits. We wanted to make an album with something of the same ingenuous attitude that Jobim and Gilberto had when they recorded their first albums in the 50's."
Some of Bossa Nova's greatest composers are represented on the new album; Jobim, Carlos Lyra, Noel Rosa, Vinicius de Moraes, Edu Lobo and Luiz Eca among them. Songs include "Aula de Matemática," "Coisa Mais Linda," "Feito de Oração," "Feio Nao E Bonito," "Minha Namorada," "Tambén Quem Mandou," "Ana Luiza," "Feitiço da Vila," "Canto Triste," "Imagem," "Por Causa de Você," and "Se é Tarde me Perdoa." All are performed with characteristic grace and serenity, with understated eroticism and playfulness.
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Lyrical instrumental interpretations of bossa nova tunes by Antonio Carlos Jobim, Marino Pinto, Carlos Lyra and others feature " Winter's liquid soprano sax, Castro-Neves' rich chord voicings, and solid but supple backing from bassist Nilson Matta and drummer Paulo Braga. [..] A long-overdue collaboration between two gifted and well-traveled musicians. " (Billboard Magazine)
"Winter and Neves's Latin sound goes down smooth, seductive and sophisticated [...]. Castro-Neves whips out those bossa chord changes as if he's taking a Sunday stroll, while Winter's lilting tone becomes even more pronounced. Like a warm Rio breeze, he wraps his soprano saxophone around melodies by Jobim, Carlos Lyra, Noel Rossa and other Brazilian composers." John Diliberto in PULSE
"Antes de grabar con lobos, y cuando aún no imaginaba que iba a dejar volar el sonido de su saxo soprano por el Gran Cañón del Colorado, Winter visitó Río de Janeiro con un sexteto de jazz. Eran tiempos de bossa nova y el joven norteamericano se enamoró de esa música. Regresó y se instaló en Ipanema. Casi cuarenta años después confiesa que la delicadeza de la bossa cambió para siempre su manera de tocar. Y junto a su amigo, el guitarrista brasileño Castro-Neves, se llena de nostalgia en esta colección instrumental de bellísimas canciones de entonces." Carlos Galilea en EL PAIS (Spain)
"un disco con los aromas melódicos de Río en el que las recetas propias encuentran natural acomodo con otras de Vinicius de Morales y Antonio Carlos Jobim. [...] Winter despega inmejorablemente en la bossa..." Luis Martín en ABC (Spain).
credits
released 01 January 1998
Paul Winter - soprano sax
Oscar Castro-Neves - guitar
Nilson Matta - bass
Paulo Braga - drums
Paul Halley - pipe organ on 'Canto Triste, 'Taméb Quem Mandou'
Cassio Duarte - percussion on 'Aula de Matemática', 'Feitiço da Vila', 'Se é Tarde me Perdoa'
A very nice afrobeat/funk band from Netherlands...Una banda de afrobeat/funk bastante interesante de Holanda
We left our cozy but small studio in the heart of Amsterdam to record this EP.
We took our microphones and analog recorder and went up north.
There we settled in an old cheese warehouse full of vintage instruments,
where we had the space and the time to record our tracks in a live setting.
Music should be warm, vibrant, soul- and colorful in our opinion.
It’s all about the groove and the intention and that’s what we have been looking for making this EP.
We hope you’ll enjoy.
Peace,
Jungle by Night
credits
released 29 March 2011
This 12 man music-collective started out as a tribute band to one of Africa’s greatest musicians ever known, Fela Anikulapo Kuti. With time, they went from exclusively playing his music to creating afrobeat music of their own.
This powerful, strong, 12 man band has moved on to being a innovative, creative band, with the same spirit as before, now even stronger with a personal sound. Taking afrobeat music into the 21st century and creating their own version, interpreting what afrobeat music is to them, giving the music Fela Kuti ones created a new sound.
Music is the Weapon is a band built on friendship, love, energy and strong musicians with passion for Afrobeat.
In January 2009 they recorded their debut album with exclusively own material. The demand for this soulful band was larger than expected and long before the album release in the beginning of May the band received a lot of attention from newspapers, blogs and radio stations (such as P3 Rytm and P3 Lab). After the release the album got nice reviews in Swedish and international press and got a nomination to the Manifest Award (Swedish independent grammy award)
So far, all of Music is the Weapons performances have been crowded and sold out, and with an audience more than satisfied. Music is the weapon is now looking forward to spreading their energy, love and music around the world.
With Music is the weapon on stage, you can count on, a captivating, energetic horn section, each horn player with a different sound and character, this band is swinging for real. With magic rhythms in the spirit of Tony Allen, you find yourself dancing like you’ve never danced before, to rough, passionate, Nigerian funk.
You can find them at www.musicistheweapon.se, where you find some of the songs from our album, with guest artists such as; Daddy Boastin from Latin Kings, and the poet Lasse Fabel.
Tuba Skinny es una banda que lleva a los oyentes atras en el tiempo, al jazz tradicional y al viejo blues de los 20's y 30's.
Tuba Skinny is a band that takes its listeners back in time to the traditional jazz and old blues music of the nineteen twenties and thirties. The members have been playing together since meeting on the streets of New Orleans five years ago, and; officially began playing as Tuba Skinny during the spring of 2009.
It is in the Caribbean, on the island of Guadeloupe that singer-songwriter and founder of “The Lyannaj Ensemble of Chicago”, GLAWDYS N’ DEE, began her musical and cultural odyssey that would ultimately evolve into a Vision. In her debut album, LYANNAJ, GLAWDYS seamlessly incorporates traditional, modern, sacred and secular, while never abandoning the spirit and roots of the Caribbean. “Lyannaj” (meaning to Win Over, to Unite in Solidarity, To Connect) is a word deeply rooted in Creole tradition and culture and speaks directly to the heart. Sung in three primary languages (English, French and Creole) LYANNAJ was recorded in Chicago, IL at Eric Disrud Studios and mastered by Danny Leake at Urban Guerilla Enginners, and includes world-renowned guest artists, including: : Acclaimed Cuban bass player Victor Miranda; Nicaraguan pianist, Darwin Alejandro Noguera; Guadeloupean Great percussionist Frantz Flereau; as well as Chicago’s Renowned pianist, Calvin “Koco” Brunson; Virtuoso guitarist Herb Walker; and the Legendary Bass and Cellist, Larry Gray. Glawdys’ musical voice – while physically located in Chicago -- embraces diverse musical genres with the intent to explore and develop new cross-cultural visions. And, while her musical identity has emerged from encountering many cultures, Glawdys’ Creole roots have always been present in her music. Her Vision is the result of the culmination of years of musical study, personal growth, and global awareness. GLAWDYS’ music filters the language of humanity, rhythm and music, creating a sound that is timeless, innovative and uniquely her own. Echoing the title of its debut album “Lyannaj”, the music of Glawdys N’Dee is truly a “Celebration of Life, Diversity and People.” For additional information on Glawdys n’Dee and the Lyannaj Ensemble of Chicago , its music mission, please log onto: www.glawdys.net, or email contact@glawdys.net.
Steeped in an inherited classicism (she had a music-lover for a father,) she absorbed the greats of the last century - from Cole Porter to Gershwin, Bacharach, Beatles and beyond.
Shades of Feist and Aimee Mann haunt her delivery, whilst she shines a light on the love song in a way that is at once candid, secretive and strange.
Her voice has an authority beyond her experience, and her sound wraps up a hundred years of music and sends it into orbit for a new century to witness.
Facebook group
Recientemente descubri a esta cantante y compositora y quede asombrado por su voz y su manera de tocar. Aqui les dejo para escuchar unicamente uno de sus discos (a traves de BANDCAMP)
Cantante, letrista y escritora de ficción, Kristi Stassinopoulou es una de las personalidades más activas de la escena musical underground ateniense de los últimos años, que ha conseguido además una gran repercusión internacional en el circuito de la world music.
La exitosa mezcla de ritmos y de colores de sonido de la música tradicional griega e internacional, las líneas vocales inquietantes inspiradas en la salmodia bizantina, los polirritmos balcánicos, la música rembetika, el rock psicodélico y la música electrónica, combinados con la actitud internacionalista, cosmopolita y neohippie de Kristi y del grupo se han convertido ahora en un punto de referencia en Grecia y en el extranjero.
Los textos poéticos de Kristi Stassinopoulou evocan la mitología primaria y aluden a paisajes imaginarios que configuran su universo temático personal. Sus álbumes han recibido entusiastas críticas por parte de la prensa especializada de todo el mundo y ha sido comparada con artistas tan diversos como Hedningarna, Patti Smith, Grace Slick o Bjork.
Su disco “The Secrets of the Rocks”, llegó a número 1 de las World Music Charts Europe en enero de 2003 y la llevó a ser portada de la revista inglesa fRoots.
Urubamba, mejor conocido como Los Incas, es un grupo de folklore andino fundado en 1956 por el argentino Jorge Milchberg en Francia.
El nombre Urubamba hace referencia al río Urubamba, el que rodeaba a la ciudad prohibida de los incas.
Jorge Milchberg y Los Incas introducieron a Paul Simon en la música andina, y años después participaron en la grabación de El Condor Pasa (If I Could) que se convirtió en un exito mundial. La canción apareció en el album Bridge over Troubled Water de Simon and Garfunkel en 1970.
La música de Urubamba esta principalmente influenciada por la música del folklore del altiplano de Perú, Argentina, Bolivia, Ecuador y Chile.
HISTORIA
El grupo Los Incas pasó por distintas formaciones, pero siempre manteniendose su fundador Jorge Milchberg en todas ellas. Entre los músicos que formaron el grupo se encuentran Jorge Cumbo, Jorge Milchberg, Uña Ramos, Pablo Trosman, Hernán Pagola, Martín Torres, Emilio Arteaga, Juan Dalera, Lucho Gonzáles.
En 1965 compartieron escenario en el teatro L Est Parisienne de París con Paul Simon y Art Garfunkel. Paul Simon facinado con la música de Los Incas, los invitó a ser parte de la grabación de El Condor Pasa con arreglo propio de Milchberg y letra compuesta por Simon.
En los años 1973 y 1974 formaron parte de la gira de Live Rhytmin de Paúl Simón con el que llegaron a grabar como invitados en dos de sus discos y , interpertretando los temas El condor pasa (If I Could), Death in Santa Cruz, Kacharpari, Duncan y The Boxer.
Tiempo después la agrupación debió cambiar el nombre a Urubamba por cuestiones legales.
En 1974, el primer disco de Urubamba fue dirigido artisticamente por el mismo Paul Simon.
En 1982 grabaron su segundo disco llamado Un Pedazo de Infinito.
Era el año 1965, y el grupo “Los Incas”, de Jorge Milchberg, estaba en su apogeo.
París era, por aquel entonces, La Meca del folklore sudamericano, al que se sumaban todos los músicos llegados de allende los mares, bien en peñas, o por las calles del Barrio Latino parisino; especialmente en el punto de encuentro por ellos preferido: L´Escala.
Fue entonces cuando, en el transcurso de un concierto en el Théâtre de l'Est Parisien , coinciden en concierto con el músico Paul Simon, del dúo Simón y Garfunkel, que les propone hacer una producción, deslumbrado por su sonido, y pasan a llamarse, por cuestiones legales, Urubamba .
Esta coincidencia cambiaría sus vidas para siempre. Y por ende, las de los que seguimos a este fantástico grupo desde entonces, y yo diría que también las de los demás grupos, puesto que las giras posteriores a aquel encuentro que realizaron conjuntamente por USA, Japón, y Europa.., con vuelta a París, en 1974, (esta vez en El Olimpia, en donde dieron su cuarto concierto), fueron de tal trascendencia que quedó sembrado lo que aún hoy, nadie a podido parar: el éxito a nivel mundial de la música sudamericana en general, y la andina, en particular.
Estoy convencido de que la enorme “moda” y la gran aceptación mundial de este género musical, se debe en muchísima medida a este grupo.
Jorge Milchberg, su director, compuso y arregló muchísimos temas, pero uno en particular le daría la fama mundial: la recopilación de una melodía tradicional del folklore peruano, datada en el S.XVIII, titulada “Soy la paloma que el nido perdió”, a la que Paul Simon puso la letra en inglés (If I could, como aparecería posteriormente en sus discos).
La "fusión" tuvo tanto éxito que yo me atrevería a decir que el resultado, El Cóndor Pasa, es hoy por hoy, la canción que más se ha interpretado y versioneado por los miles de grupos de folklore existentes que se formaron a raíz de este "boom". Nadie le puede negar a Milchberg el tremendo éxito conseguido y según él mismo me comenta , ya en el año 73 le había sido otorgado el premio de la BMI por haber pasado por antena un millón de veces, por si había alguna duda.
Posteriormente Urubamba colaboró en otras canciones del músico americano, como Duncan, y grabaron temas en vivo, además del famoso Cóndor Pasa, como Kacharpari, o “Muerte en Santa Cruz”, todos ellos reflejados en el álbum doble “PAUL SIMON IN CONCERT LIVE COMPOSIN' AND THE BAND, grabado en vivo en el Tokyo Budokan, de Japón, el 20 de febrero de 1974, así como en otro disco titulado Live Rhymin´, también en riguroso directo.
El grupo que realizó las giras mundiales lo formaban, Jorge Cumbo, un músico argentino que llegó a París como aventurero y aprendió a tocar la quena en las peñas y en la calle, Emilio Arteaga, un uruguayo que empezó con la percusión y alcanzaría con el tiempo gran maestría en el charango y en otros instrumentos como la antara (flauta de pan), Uña Ramos, un humahuaqueño que alcanzaría gran fama posteriormente como solista debido a su particular sonido en la quena, y Jorge Milchberg, al charango y la dirección.
Aunque esta misma formación, en ese orden, se puede ver en la fotografía que aparece en la portada del disco “Urubamba”, este magnífico y único trabajo discográfico que tiene el grupo lo grabaron en 1973 los siguientes músicos : Martín Torres a la guitarra, Uña Ramos, flautas , y Jorge Milchberg en el charango y dirección , contando con la participación del talentoso percusionista Airto Moreira, y sobre todo la ayuda inestimable de Paul Simon en la cabina de sonido y Phil Ramone en la técnica......
Fue recientemente remasterizado y lanzado en CD.
Especialmente recomendable.
ENGLISH
It was the year 1965, and the group "The Incas," Jorge Milchberg, was at its peak.
Paris was, at that time, "Mecca" of South American folklore, joined all the musicians who came from across the seas or in "Peñas"(meetings), or the streets of the Latin Quarter of Paris, especially the point where they preferred: L´Scale.
That's when, during a concert at the Theatre de l'Est Parisien, in concert coincided with the musician Paul Simon, the duo Simon and Garfunkel, they intend to do one production, enchanted by its sound, and was renamed , for legal issues, Urubamba.
This coincidence exchange their lives forever. And hence, those that continue to this fantastic group since then, and I could say that even those of other groups, since the tours after that meeting that conducted jointly by USA, Japan, and Europe .., returning to Paris in 1974 (this time in Olympia, where it gave its fourth concert), were of such significance that I am what you sow even today, nobody able to stop the worldwide success of South American music in general, and the Andean region, in particular.
I am convinced that the huge "fashionable" and the vast worldwide acceptance of this genre, is due in part to this group.
Jorge Milchberg, its director, and composer of many issues, but one in particular would give the world-fame: the collection of a melody traditional folklore Peruvian dating in the XVIII century, entitled "I am the pigeons that nest lost", to which Paul Simon put the letter in English (If I could, as subsequently appear in his records).
The "merger" was such a success that I dare to say that the result, El Condor Pasa, is today the composition that most versions and has been interpreted by the thousands of existing folklore groups were formed to root of this boom. Nobody can deny Milchberg the tremendous success and I second the same comments, in the year 73 had been awarded the prize of the BMI for having gone through radio a million times, if there was any doubt.
Subsequently Urubamba collaborate in other American musician's songs, like Duncan, live and recorded items, besides the famous Condor Pasa, as Kacharpari, or "Death in Santa Cruz, all of them reflected in the double album" Paul Simon Live COMPOSIN IN CONCERT 'And the band, recorded live at the Tokyo Budokan, Japan, February 20, 1974, as well as in another album titled Live Rhymin? Also in direct rigorous.
The group tours that make up the world, Jorge Cumbo, a musician Argentine who came to Paris as an adventurer and learned to play the quena in penalties and on the street, Emilio Arteaga, a Uruguayan who started with the percussion and reach with time great skill in the charango and other instruments as the antara (pan flute), A Ramos, who achieved great fame humahuaqueno later as a soloist due to its particular sound in Quena, and Jorge Milchberg, the charango and address.
Although this same formation, in that order, can be seen in the photo that appears on the cover of the album "Urubamba", this magnificent and unique record that has the working group as recorded in 1973 the following musicians: Martin Torres on guitar, A Ramos, flutes, and Jorge Milchberg in the charango and direction, with the participation of talented percussionist Airto Moreira, and especially the valuable assistance of Paul Simon in the car audio and Phil Ramone in the technique ......
It was recently remastered and released on CD.
Tino Brodard
Solomon Hoopii Kaaiai was born in Honolulu in 1902, the first of 21 children. He was a prodigy on stringed instruments, and picked up the ukulele and guitar before age six. Shortly thereafter, he took up the steel guitar, and was considered the best of Hawaii's masters of the instrument. He played with Johnny Noble's orchestra until he and several friends stowed away on the Matsonia in 1919 en route to San Francisco. The young men were discovered but their playing enchanted passengers and a collection was taken up to pay their fares.
With the help of a booking agent, Sol and friends got plenty of nightclub gigs and soon moved to Los Angeles. They came back to Hawaii several years later and Sol formed a trio with Lani McIntire and Glenwood Leslie and their Brunswick recordings made them famous. Hawaiian music and musicians were hot property in Hollywood then, and Sol returned to the mainland to work as a musician, actor and technical advisor. Mary Pickford used Sol and his steel guitar to get her "in the mood" for sad scenes in her films. He played and acted in Waikiki Wedding and Flirtation Walk as well as a number of Charlie Chan films. Sol also worked on Sing Me a Song of the Islands and was kept busy at night appearing in every Los Angeles Polynesian-themed nightclub.
Sol became an evangelist later in his life and it was when he was on tour in 1953 in Seattle Washington that he passed away from diabetes. He is still renowned for expanding the horizons of the steel guitar and his innovations are still in use today.
Biographical material from Tony Todaro, The Golden Years of Hawaiian Entertainment (Tony Todaro Pub., 1974).
